El fotorrealismo es uno de los objetivos principales de muchos artistas generados por computadora, y también es uno de los más difíciles de lograr. Sin embargo, incluso si es relativamente nuevo en gráficos 3D por computadora, las herramientas y técnicas de flujo de trabajo actuales hacen que el fotorrealismo sea fácil de obtener.
Estas son ocho técnicas que te ayudarán a llegar allí:
Bisel, Bisel, Bisel
Olvidarse de biselar o achaflanar los bordes es uno de los errores más comunes que cometen los artistas 3D principiantes. Casi no hay bordes afilados en la naturaleza, e incluso la mayoría de los objetos hechos por el hombre tienen una ligera redondez donde se encuentran dos superficies opuestas. El biselado ayuda a res altar los detalles y realmente vende el realismo de su modelo al permitir que los bordes capten adecuadamente los reflejos de su solución de iluminación.
Usar el bisel (o herramienta de chaflán en 3ds Max) es una de las primeras cosas que debe aprender como modelador. Si es lo suficientemente nuevo en 3D como para no estar seguro de cómo crear un borde biselado, es probable que realmente pueda beneficiarse de un buen tutorial introductorio o incluso de una suscripción de capacitación.
Aprenda a usar el flujo de trabajo lineal
Aunque el flujo de trabajo lineal existe desde hace años, sigue siendo una idea confusa y complicada para los principiantes.
La necesidad de un flujo de trabajo lineal se reduce esencialmente al hecho de que su monitor muestra imágenes en un espacio de color diferente (sRGB) al que genera su motor de renderizado (lineal). Para combatir esto, los artistas deben tomar las medidas necesarias para aplicar la corrección gamma a un renderizado.
Pero el flujo de trabajo lineal en realidad va mucho más allá de las simples correcciones gamma: se trata de evitar técnicas y soluciones alternativas antiguas (la mayoría de las cuales se basan en matemáticas obsoletas) y avanzar hacia verdaderas soluciones de iluminación basadas en la física.
Hay mucho más que decir sobre el flujo de trabajo lineal y, afortunadamente, se ha discutido exhaustivamente en los últimos años. Linear Workflow and Gamma es un sitio útil para aprender la teoría detrás del proceso y enlaza con bastantes fuentes, por lo que hay mucho que leer. Flujo de trabajo lineal en Maya 2012 es un curso de tutores digitales que trata específicamente sobre el flujo de trabajo lineal en Maya 2012.
Usar perfiles de luz IES para iluminación fotométrica
Junto con el auge del flujo de trabajo lineal, los artistas 3D (especialmente los que trabajan en visualización arquitectónica) han comenzado a usar archivos llamados perfiles de luz IES para imitar de forma más realista la iluminación del mundo real.
Los perfiles IES fueron creados originalmente por fabricantes como General Electric como una forma de cuantificar digitalmente los datos de iluminación fotométrica. Porque los perfiles de luz IES contienen información fotométrica precisa sobre la forma de la luz, la luminancia y la caída. Los desarrolladores de 3D han aprovechado la oportunidad de agregar compatibilidad con IES en la mayoría de los principales paquetes de 3D.
¿Por qué pasar horas tratando de imitar la iluminación del mundo real cuando puedes usar un perfil IES y tener la cosa real?
CG Arena ofrece excelentes imágenes para darle una idea de cómo se ve un perfil de luz IES.
Usar profundidad de campo
Los efectos de profundidad de campo (fondo borroso) son una de las maneras más fáciles de aumentar el realismo de sus renders porque es algo que asociamos estrechamente con la fotografía de la vida real.
Usar una profundidad de campo reducida ayuda a aislar al sujeto y puede mejorar la composición a pasos agigantados cuando se usa en las situaciones apropiadas. Los efectos de profundidad se pueden calcular en el momento del renderizado desde su paquete 3D o se pueden aplicar en la posproducción usando un pase de profundidad z y un desenfoque de lente en Photoshop. Aplicar el efecto en la publicación es, con mucho, la ruta más rápida, sin embargo, configurar la profundidad de campo dentro de su aplicación principal le brinda más control sobre el efecto.
Añadir aberración cromática
El nombre suena complicado, pero agregar aberración cromática a tus renders es probablemente la técnica más fácil de esta lista.
La aberración cromática ocurre en la fotografía del mundo real cuando una lente no logra reproducir todos los canales de color en el mismo punto de convergencia. El fenómeno se manifiesta como "franjas de color", donde los bordes de alto contraste muestran un sutil contorno rojo o azul.
Debido a que la aberración cromática no ocurre naturalmente en la iluminación generada por computadora, los artistas 3D han desarrollado formas de falsificar el fenómeno compensando el canal rojo y azul de un renderizado por uno o dos píxeles en Photoshop
La aberración cromática puede añadir realismo a un renderizado, pero también puede restarle valor cuando el efecto es exagerado. No tengas miedo de probarlo, pero recuerda que la sutileza es tu mejor amiga.
Usar mapas especulares
La mayoría de los artistas aprenden a usar mapas especulares desde el principio, pero definitivamente merece una mención para cualquiera que aún no esté a bordo.
Los mapas especulares le indican a su motor de renderizado qué partes de su modelo deben tener una alta especularidad (brillo) y cuáles deben ser más difusas. El uso de mapas especulares aumenta el realismo porque, afrontémoslo, la mayoría de los objetos de la naturaleza no muestran un brillo uniforme, pero cuando dejas el mapa especular desactivado, así es exactamente como se representará tu modelo.
Incluso para los objetos que tienen un brillo relativamente uniforme (cerámica vidriada, metal pulido), aún debe usar un mapa de especificaciones para ayudar a res altar las irregularidades de la superficie de rayones, abolladuras y abolladuras.
Vive el grunge
No ves el "error de perfección" tanto como en los primeros días de CG, pero para aquellos de ustedes que necesitan un recordatorio: no tengan miedo de agregar un poco de suciedad y arenilla a tus modelos y texturas.
La mayoría de los objetos del mundo real no son limpios ni prístinos, por lo que dejar los modelos de esa manera puede resultar perezoso y casi seguramente socavará su búsqueda del realismo fotográfico. No tienen que ser solo detalles de textura: intente agregar grietas y destrucción a gran escala a algunos de sus modelos, especialmente si está trabajando en entornos de juegos de estilo FPS.
Ten en cuenta la idea de la f alta de perfección cuando estés poblando tus escenas también. A menos que busque un render de tipo sala de exposición arquitectónica muy pulido, disperse algunos elementos de utilería de forma natural en toda la escena para que el espacio parezca habitado.
Añadir asimetría
La capacidad de activar la simetría al modelar o esculpir un personaje es un gran lujo; significa que, como modeladores, solo tenemos que hacer la mitad del trabajo y nunca tener que preocuparnos de que un ojo sea más grande que el otro. o asegurándose de que el pómulo izquierdo quede alineado con el derecho (ya sabe, esos molestos problemas que preocupan a los pintores y escultores tradicionales).
Pero cuando llega el momento de hacer un pase de detalle final y posar a tu modelo, es una gran idea desactivar la simetría y agregar algún tipo de variación asimétrica a tu personaje.
Ya sea en la pose, el vestuario o el detalle de la textura, la asimetría hará que tus modelos parezcan más realistas y es probable que termines con una imagen final más dinámica y exitosa.
